El abandono de la fe ciega

Analogía desensibilizada de la capacidad creativa

Un modelo sistemático de cambios irreversibles al concepto humano y biológico predispuesto. La capacidad de invertir colores en un lienzo en blanco que pareciera salir de la nada, aunque solo sean miles de experiencias creando sinapsis, conexiones y reconstrucciones internas de una realidad previamente observada.

Este ensayo me tomó tiempo por el tratamiento especial que le di al tema y la recolección de información. No es preciso al cien por ciento, pues contiene mi opinión subjetiva y analogías formuladas en mi mente; tenlo en cuenta como una interpretación del fenómeno creativo y no como una definición absoluta.

Creatividad

“Se define como la capacidad de generar ideas originales, novedosas y valiosas. Es la habilidad de pensar de forma no convencional, romper patrones establecidos y encontrar soluciones originales a los desafíos que se presentan. Implica combinar elementos existentes de manera única, explorar nuevas perspectivas y tener la audacia de materializar ideas”.

(Universidad Tecnológica del Perú)

Comprensión filosófica

Cosmologicamente se entiende que la creatividad es el fin de un cúmulo de experiencias, ya sean heredadas o didácticas. Su epistemología se basa en entender su capacidad como innata, casi como si de un talento metafísico se hablara; se intuye por los entes sociológicos que es personal y capacitista, o sea, que depende del sujeto que la posee.

Existe una división entre quienes piensan que mediante ejercicios específicos puede aumentarse de forma progresiva y quienes, en defensa interna de su propia identidad, refieren a un ente basado en el yo; la idea de que nazco y muero usando dicha característica como una extensión de mi ser, no como una herramienta sujeta completamente al cambio.

La creatividad se encuentra entonces en una contradicción: es una capacidad humana construida por experiencias, pero al mismo tiempo es percibida como una característica individual que separa al sujeto de los demás.

Esta discusión recuerda al concepto del genio creativo planteado por Immanuel Kant, donde el artista no solamente domina reglas existentes, sino que produce nuevas formas que posteriormente pueden convertirse en referencia para otros. Sin embargo, esta idea también construyó una visión del creador como un individuo excepcional, alejándolo de la comprensión de la creatividad como proceso colectivo y acumulativo.

Su filosofía alcanza un punto ontológico dejando ver varias debilidades dentro del sistema social impuesto por la crítica y la valoración artística.

La creatividad dejó de ser únicamente una capacidad humana y comenzó a convertirse en una categoría social.

Transformación histórica y socioeconómica de la creatividad

La percepción de la creatividad cambió conforme las sociedades cambiaron su relación con el arte y la producción.

Durante el Renacimiento ocurrió una transformación importante: el artista comenzó a dejar de ser visto únicamente como un artesano y pasó a representar una identidad individual. La obra comenzó a relacionarse con la mente y personalidad del creador.

Posteriormente, durante el Romanticismo, apareció con más fuerza la idea del artista como genio, alguien impulsado por una fuerza interna difícil de explicar mediante métodos racionales.

Con la Revolución Industrial esta relación cambió nuevamente. La creatividad empezó a integrarse dentro de procesos productivos, tecnológicos y económicos. La imaginación dejó de pertenecer exclusivamente al arte y comenzó a utilizarse como una herramienta de innovación.

Durante el siglo XX, la publicidad, el diseño y los medios masivos transformaron la creatividad en un recurso comercial. La capacidad de crear comenzó a medirse también por su capacidad de generar impacto.

Autores como Theodor Adorno y Max Horkheimer analizaron esta transformación mediante el concepto de industria cultural, donde la producción artística podía integrarse dentro de sistemas económicos que organizaban la creación según criterios de consumo.

La creatividad seguía existiendo, pero ahora caminaba dentro de una estructura que podía moldearla.

Complejidad académica

El arte, el arte, ese artilugio antiguo y perecedero que guarda la imaginación de miles y millones de personas biológicamente muertas.

La creatividad en su mayoría dejó plasmada su mano en dichas obras, tanto en trazos de pintura como en obras de teatro; como no, un mecanismo de riesgo que generaba más valor económico que manipular las vías de desarrollo urbano en zonas rurales.

Cuando se hizo cotizable también tangible apareció una nueva percepción:

“Tienes más creatividad de la que crees, haz este test y descúbrelo”.

Pero nadie te dijo que tenías creatividad, ¿cierto? O eso crees.

El comportamiento creativo ha sido sugestionado por el sistema económico impuesto durante miles de conflictos históricos. La obsesión por desviarse de la realidad convirtió al arte en un refugio y a la creatividad en la prisión de este.

Por eso existe la complejidad académica, aquella que matiza, clasifica y encierra el arte y la creatividad como si fueran un músculo capaz de exprimirse hasta los huesos en pos de producir resultados.

No porque analizar sea incorrecto, sino porque existe una diferencia entre comprender una capacidad y convertirla en un mecanismo de explotación.

Categorizar la información permitió desarrollar teorías, métodos y herramientas que ayudaron a comprender la creatividad; sin embargo, también creó una distancia entre la experiencia de crear y la explicación de cómo crear.

La pregunta deja de ser:

¿Qué significa crear?

Y comienza a ser:

¿Cómo puedo producir creatividad?

Esa diferencia marca el inicio del conflicto.

Atribuciones

La creatividad no permaneció estática. Su significado cambió conforme cambió la figura del creador y la relación entre la obra, el individuo y la sociedad.

Uno de los cambios más importantes ocurrió cuando el artista dejó de ser visto únicamente como un ejecutor de una técnica y comenzó a ser interpretado como una fuente de identidad.

Leonardo da Vinci representa una de las primeras figuras donde el creador comienza a verse como una combinación entre observador, investigador y artista. Su creatividad no estaba limitada a una disciplina, sino a la capacidad de conectar conocimientos distintos para formar algo nuevo.

Más adelante, artistas como Vincent van Gogh representaron otra transformación: la obra como extensión de la experiencia interna del individuo. La creatividad comenzó a relacionarse con la percepción subjetiva, con la forma particular en que una persona observa la realidad.

Posteriormente, Marcel Duchamp modificó la relación entre creador y obra al cuestionar qué podía considerarse arte. La creatividad dejó de depender únicamente de la fabricación de un objeto y empezó a involucrar la idea detrás de este.

Andy Warhol representó otro punto de ruptura al relacionar arte, reproducción y consumo. La obra artística entró completamente en conflicto con el mercado, mostrando que la creatividad podía existir dentro de sistemas económicos sin necesariamente escapar de ellos.

Cada uno de estos cambios modificó la misma pregunta:

¿Qué convierte a una persona en creadora?

La respuesta nunca permaneció fija.

La creatividad pasó de ser habilidad, a identidad; de identidad, a producto; y de producto, nuevamente a una búsqueda de significado.

Cambios

En los años venideros y contemporáneos esta ha perdido importancia en ciertos espacios, no porque haya desaparecido, sino porque se volvió demasiado accesible y al mismo tiempo demasiado difícil de distinguir.

Es tan fácil robar una idea, modificarla y distribuirla que capitalizarla se convirtió en parte de la operación.

La creatividad ahora vive en un espacio contradictorio: nunca hubo tantas herramientas para crear, pero tampoco tanta competencia por existir dentro de una cantidad infinita de estímulos.

Las empresas utilizan la creatividad como motor de innovación, pero muchas veces la producción masiva recompensa la repetición antes que la exploración.

Una idea no siempre es valorada por su profundidad, sino por su capacidad de adaptarse, venderse y mantenerse dentro de una estructura funcional.

No significa que toda producción comercial carezca de creatividad. La contradicción es más compleja: el sistema puede permitir que una idea llegue a millones de personas, pero también puede transformar la idea en una fórmula.

El desafío para el autor es encontrar un lugar donde el sentido de la creatividad siga siendo el original; uno donde las buenas ideas no sean solamente recursos intercambiables, sino intentos de convertir algo interno en una realidad externa.

Aquí es cuando me dispongo a hablar del tema central.

Los autores

“La función autor no se refiere simplemente a una persona real que escribió un texto, sino a una función que organiza la forma en que entendemos y clasificamos los discursos”.

Michel Foucault, ¿Qué es un autor?

El autor representa la última transformación de la creatividad: cuando la capacidad deja de ser solamente una acción y se convierte en identidad.

El creador no solamente produce una obra. También produce una imagen de sí mismo.

Aquí aparece el conflicto: cuando la identidad del autor comienza a depender de aquello que crea, la creatividad deja de ser únicamente libertad y comienza a cargar con responsabilidad, expectativas y contradicciones.

El autor intenta conservar una voz propia dentro de un sistema que constantemente le pide adaptarse.

Teatralidad de intentos inusitados

El libro se está ahogando, ya lo dijo Solitario en varias de sus canciones.

Este formato que durante siglos llenó mentes ha llegado a su límite, uno que incapacita al lector e impone su ley orgánica.

Adyacentemente considero el formato como una forma perfecta de adquirir conocimiento, pero también como una fuga de recursos biológicos: tiempo, atención y energía humana concentrados en una estructura que compite contra un mundo cada vez más acelerado.

Dicha teatralidad está marcada por su propio conflicto.

El autor trata de no ahogarse dentro de ella; publicar en digital como una revolución de su propia existencia, aunque el internet también haya cambiado hasta convertirse en un espacio donde millones intentan llamar la atención al mismo tiempo.

Intentos e intentos…Nada destaca.

Cualquier mecanismo sociológico puede invalidar el intento. Nadie observa realmente.

Es una actuación donde el lector cree que leyó y el autor cree que fue leído, cuando la realidad es que el gato de Schrödinger hizo su aparición.

La obra existe y no existe al mismo tiempo hasta que ocurre un verdadero encuentro entre creador y receptor.

Darse a entender y entender son dos cosas distintas.

Una comprende el estado etéreo de la conciencia colectiva y la otra interpreta, clasifica o culturiza la explicación generalizando el contenido dentro de una respuesta emocional que puede perder fuerza cuando la intención del autor tiene mayor profundidad que la interpretación inmediata.

Aun así, este encuentro se tergiversa. La obra pasa por múltiples filtros antes de llegar al lector.

La interpretación, el contexto y la experiencia personal modifican aquello que originalmente intentaba comunicar el autor.

Simplificación

El autor perdió parte de la batalla cuando su creatividad fue cegada por la pericia, el tiempo y la injusta realidad.

La técnica permite mejorar.

El conocimiento permite avanzar pero existe un punto, ese donde la optimización puede comenzar a eliminar aquello que hacía particular a una obra.

El método puede explicar una historia.

Pero no siempre puede explicar por qué una historia debía existir.

Transformación del libro

En las últimas décadas el mercado editorial ha mostrado una transición importante entre formatos físicos y digitales.

Los libros físicos continúan representando una gran parte del mercado global, mientras que los libros electrónicos y audiolibros han crecido como alternativas de consumo.

Sin embargo, distintos estudios sobre lectura digital han señalado que la comprensión profunda puede verse afectada por factores como la distracción, la velocidad de consumo y la forma fragmentada en que muchas personas interactúan con contenido digital.

Investigaciones como las de Maryanne Wolf sobre lectura profunda plantean que la forma en que consumimos información puede modificar nuestros procesos de atención e interpretación.

El problema no es que lo digital sea inferior.

El conflicto está en que la velocidad puede competir contra la contemplación.

Y la literatura nació precisamente de la contemplación.

Hacedores de verdades capacitistas

Psicología, sociología, estudios antropológicos y estructuras sociales forman parte de un conjunto que intenta comprender las capacidades humanas.

Sin embargo, dentro de esta comprensión también aparecen límites.

Una parte de la sociedad impulsa la creatividad, la admira y la utiliza como símbolo de innovación; otra parte la convierte en una característica fija, una definición del individuo que termina aislándolo dentro de sus propias capacidades.

“Eres creativo, ¿por qué no te dedicas a pintar?”

“¿Qué eres sin tu arte?”

“Esta empresa necesita creatividad, esa que jóvenes como tú tienen”.

Estas frases parecen reconocimiento, pero también pueden convertirse en una forma de encierro.

El problema no está en reconocer una capacidad, sino en convertirla en una obligación.

Cuando una persona es reducida únicamente a aquello que sabe hacer, deja de ser vista como un individuo completo y empieza a convertirse en una función.

Encasillados en la creatividad… Encasillados en un concepto.

Como si el autor fuera su propio verdugo.

“Eres, soy, somos”.

Determinismo puro.

La sociedad constantemente intenta definir al individuo mediante características visibles: inteligencia, productividad, talento o creatividad.

Esto ocurre en cualquier ámbito humano.

El creador puede terminar atrapado en la necesidad de demostrar aquello que los demás esperan de él.

La creatividad, que originalmente era una posibilidad, se transforma en una identidad que debe mantenerse.

Donde caminas

El creador moderno camina en una contradicción constante.

Por un lado, vive en una época donde las herramientas permiten producir más que nunca. Por otro, existe una presión constante por convertir esa producción en evidencia de valor.

El escritor ya no solamente escribe, debe construir una presencia.

El artista ya no solamente crea, “debe mostrarse”.

El creativo ya no solamente imagina.

Debe justificar por qué su imaginación merece ocupar espacio.

La sociología del trabajo creativo ha estudiado cómo muchas profesiones relacionadas con el arte comenzaron a mezclar identidad personal y productividad.

El trabajo deja de ser únicamente una actividad y comienza a convertirse en una representación del individuo.

Autores como Richard Sennett han analizado la relación entre oficio, identidad y transformación del trabajo moderno, mostrando cómo la presión por adaptarse puede modificar la relación entre una persona y aquello que produce.

Aquí aparece una pregunta incómoda:

¿El creador crea porque tiene algo que expresar o porque necesita demostrar que merece existir dentro de un sistema?

La diferencia parece pequeña.

Pero cambia completamente la relación con la obra.

Capacidades latentes

En concepto, los humanos somos capaces.

No creo en una creatividad completamente medible, así como la experiencia no puede medirse únicamente con años y la inteligencia no puede reducirse completamente a números.

Existen herramientas que intentan aproximarse a estas capacidades, pero medir una parte de un fenómeno no significa capturar su totalidad.

Todos tenemos capacidades latentes.

Todos podemos explorar el mundo y exponer una interpretación propia de este.

Pero todos tenemos miedo.

Hemos sido educados con una versión incompleta de la inteligencia: una donde existen personas capaces y personas incapaces, como si las habilidades humanas fueran estructuras terminadas y no procesos en constante desarrollo.

El creativo suele ser martirizado como alguien único, como una excepción dentro de la humanidad.

Pero quizá lo único realmente individual en este mundo es el tiempo.

El tiempo que cada persona posee para observar, aprender, equivocarse y transformar aquello que encuentra.

La creatividad no pertenece solamente al elegido.

Pertenece a la relación entre la persona y la realidad que intenta comprender.

“Todo acto creativo requiere una combinación entre conocimiento existente y la capacidad de producir relaciones nuevas entre elementos previamente separados”.

Mihaly Csikszentmihalyi, estudios sobre creatividad y flujo.

La creatividad no aparece completamente aislada.Existe dentro de un sistema de experiencias. El creador no inventa desde la nada.

Reconstruye.

Reflexión final

No hice este ensayo con la finalidad de alterarte o enseñarte una verdad divina. Los hechos son los que son.

Yo solo matizo y arraigo aquello que considero importante.

El pensamiento forma parte de ello y me obligo a ejercerlo cada día en pos de no atrofiar dicho músculo.

No tengo la potestad ni la postura moral para ponerme por encima de nadie. Pero me apego a la objetividad de la realidad como dogma.

Soy artista.

Soy autor.

Y esta es la versión de mi escritura que quedará de mí cuando el experimento de Schrödinger acabe y descubramos realmente cuán ahogada en veneno está la creatividad humana.